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“El sereno”: Miedos en soledad

Cine El Sereno

 Llego la primera película nacional que podremos ver en las principales salas de todo el país. La película titulada “El sereno” es la ópera prima de los cineastas Juacko Mauad y Oscar Estévez, éste último guionista de la “La casa muda”.

Todo comenzó cuando los directores visitaron un viejo depósito ubicado en el barrio el Cordón y al descubrir la atmósfera que el lugar ofrecía no tardaron en imaginarse lo perturbador que podía ser para un sereno trabajar en ese inmenso lugar.

El proyecto se volvió cada vez más real cuando se convirtió en uno de los ganadores en la categoría de largometraje de ficción que los fondos Montevideo Filma y Montevideo Socio Audiovisual asignan cada año. La producción quedó a cargo de Guazú Media y en coproducción con Cinemagroup de Argentina, lo que le facilitó contar también con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de dicho país.

El intercambio con la vecina orilla llega también en el elenco, donde por un lado se cuenta con actores uruguayos cómo César Troncoso y Álvaro Armand Ugón y por el otro, el argentino Gastón Pauls como protagonista.

La historia se centra en Fernando (Gastón Pauls) un adicto que llega al oscuro depósito buscando trabajo. Sus noches en el lugar se vuelven cada vez más inquietantes cuando en un mar de ruidos desconocidos descubre una reja abierta. Su historia personal que lo atormenta y un misterio que no cesa de crecer, lo empujan a recorrer sectores del lugar que le estaban prohibidos. Este marco dibuja las líneas de un thriller psicológico de suspenso y oscuridad con particulares toques paranormales.

El sereno. Uruguay-Argentina 2017. Dirección: Oscar Estévez – Joaquín Mauad. Guión: Oscar Estévez – Federico Roca. Con: Gastón Pauls, César Troncoso, Álvaro Armand Ugón, Cecilia Caballero, Valentina Barrios, Lalo Labat.

Los Oscars 2017

Oscar 2017

 Luego de una confusión histórica en que la película La la land apareció como la ganadora del Oscar, fue conocido que la mejor película para la Academia fue Moonligit.

La Academia de Hollywood ha entregado por fin todos los Premios Oscar de esta edición, en el Dolby Theater de Hollywood Boulevard de Los Ángeles.

Fue por unos segundo que La La Land ganó el Oscar a la mejor película, despúes de una confusión de sobres de Warren Beatty, Moonlight se lo arrebató para convertirse en la gran ganadora de la noche.

Para este año, en la 89ª de la entrega de los premios Oscar, la gran favorita era La La Land, el musical de Damien Chazelle, con 14 nominaciones, igualando a películas como 'Titanic' y 'Eva al desnudo'.

Sin embargo, hubo emoción hasta el final. Moonlight se llevó el Oscar a la mejor película y Oscar al mejor actor secundario (Mahershala Ali). Emma Stone supo llevarlo con humor: "Estoy jodidamente enamorada de Moonlight".

Jimmy Kimmel, comediante de 49 años y conocido por su show 'Jimmy Kimmel Live!', fue el presentador de la gala de esta nueva edición de los Oscar.

El listado de los ganadores de los Premios Oscar 2017

Oscar como Mejor película - Moonligit

Oscar a la mejor actriz protagonista - Emma Stone por La La Land

Oscar al mejor actor protagonista - Casey Affleck por Manchester frente al mar

Oscar a la mejor actriz de reparto - Viola Davis por Fences

Oscar al mejor actor de reparto - Mabershala Ali por Moonlight

Oscar al mejor director - Damien Chazelle por La La Land

Oscar a la mejor banda sonora - La La Land de Justin Hurwitz

CINE - ESTRENO: “Manchester junto al mar”

CINE Manchester

Hay dos películas que van camino de los premios Oscar, que son grandes postulaciones, “La llegada” del director Dennis Villeneuve, y la de origen también estadounidense, dirigida y guionada por Kenneth Lonergan, “Manchester junto al mar”, unidas en cierto modo por la fracturada memoria del dolor de sus protagonistas.

“Manchester junto al mar”, además de ser visualmente impecable, en la cual el blanco de la nieve se contrapone a la oscuridad vestimentaria de sus agonistas, recrea lugares donde lo boscoso es casi metafórico en relación de los laberintos morales de la culpa, del dolor que se irán dando a conocer en el devenir fílmico; de los hallazgos de una cámara que de pronto descubre en la lejanía, las casas iluminadas frente al mar, en el contexto interior de la significativa noche del alma.

La música clásica subraya desde la banda sonora los aconteceres, en ocasiones apelando al lirismo de la voz humana en su dramatismo y exquisitez.

Las primeras imágenes muestran a Lee (interpretado con infinita solvencia por Casey Affleck), un ser solitario, alcohólico, introvertido, un taciturno que mide sus palabras, que reside en Boston y cuyo trabajo es la realización de mil oficios para una empresa, que en ocasiones le amonesta por sus irreverencias respecto de sus clientes. El sentimiento de pérdida anida en su espíritu, - el retrato cuidadoso, conmovedor que hace el realizador es notable, con sus toques de austeridad casi bergmanianos -, en relación a los hijos muertos, a consecuencia de un incendio que lo hace sentir culpable. Su ex mujer, encarnada por la actriz Michelle Williams, ha “rehecho” su vida. No obstante el breve encuentro entre ambos, configura una escena antológica en su desgarro, en el hermetismo que Lee desea continuar como refugio.

La pulsión de autoflagelarse, o de muerte a secas, afloran desde su inconsciente, y así un desamparado Affleck por momentos no los puede manejar. Tampoco su ira contra sí y contra el prójimo.

Pero la muerte de su hermano muy querido en la región manchesteriana, cambiará su vida, puesto que lo ha nombrado tutor de su hijo de diecisiete años. La escena con el abogado que le comunica la decisión testamentaria de su hermano, lo desacomoda totalmente, ya que no se siente capaz de esa tarea o desafío, y presume con razón que el joven no querrá trasladarse, y él no está dispuesto a volver definitivamente a un lugar, que le hace revivir su pasado trágico, que le ha tejido en derredor, una oscura leyenda.

Para el adolescente, la pérdida de su padre es difícil de asumir, de ahí que se aliene primariamente en la música, en sus amigos, en sus amoríos. Su tío no lo juzga, acepta la negación. La performance del sobrino, encarnado por Lucas Hedges es también brillante. El proceso de gradual asunción de la muerte de su padre, está mostrado con gran maestría, por un director analista de la compleja condición humana.

La vida es pérdida para estos dos seres que tratarán de comunicarse y quererse. Tras una dura lucha llegarán a comprenderse, pero no conviene contar el cómo. Los planos medios van develando la gestualidad desoladora de Lee-Affleck, la imposibilidad de asimilar la fatalidad de su pasado, su mirada vacía e interrogante, los largos silencios que lo envuelven.

Es muy ingeniosa la intercalación desde las acciones presentes, de pequeños “flashbacks”, que enriquecen el relato decididamente, con la finalidad de ensamblar el hoy con el ayer de este drama familiar.

El director de “Margaret”, “Puedes contar conmigo”, en “Manchester junto al mar”, propone un film muy reflexivo, muy profundo, muy “off” con referencia a la industria hollywoodense, de aquí que la filmografía del realizador sea muy reverenciada en Sundance, y por el público y la crítica europea. Es cine y verdad. O poesía necesaria del dolor de existir.

Paula Montes    

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FICHA TECNICA

“Manchester junto al mar” (“Manchester by the sea”), Estados Unidos 2016. Dirección y guión: Kenneth Lonergan. Fotografía: Jody Lee Lipes. Música: Lesley Barber. Dirección de arte: Jourdan Henderson. Elenco: Casey AffleckMichelle WilliamsKyle ChandlerLucas HedgesTate DonovanErica McDermottMatthew BroderickGretchen MolSusan PourfarChristian J. Mallen, Frankie ImbergamoShawn FitzgibbonRichard DonellyMark BurzenskiMary Mallen, C. J. Wilson.

CINE - “La llegada”: Obra mayor

Cine La llegada

 “La llegada” del director canadiense Dennis Villeneuve, trasciende el género de ciencia-ficción ampliamente, y como obra de arte que es, está a la altura del film “Solaris” de Tarkovsky y de “2001: Odisea del espacio” de Stanley Kubrick.

Es una postulación fílmica abarcadora del temor a lo desconocido, de la dura aceptación o no del inevitable, fatalista destino, una suerte de experiencia místico-religiosa, una apuesta por la paz intergaláctica, luego de una impronta bélica mundial que no llega a desatarse, pero casi se hubiese producido a nivel global, un misterio a descifrar en cada plano, en cada imagen, en cada parlamento o silencio, y un largo etcétera que deja al espectador inmerso, sumergido en lo silente, en la angustiosa reflexión, por un buen período de tiempo.

Los extraterrestres en sus naves, han llegado al estado de Montana, y a otros 11 puntos claves de nuestro mundo o universo, el significativo, muy cargado de religiosidad número doce, se ha diseminado estratégicamente. La noticia sorprende a un grupo de estudiantes universitarios, y a la lingüista que está impartiendo sus conocimientos, Louise Banks (en la fantástica, conmovedora actuación de Amy Adams), personaje que además deberá lidiar con un pasado de amor y muerte respecto de su hijita, con sus selectivos recuerdos, con la fracturada memoria del dolor, que deviene por momentos desde un futuro impredecible, sobrecogedor.

Será elegida como humanista destacada, junto al calificado científico, encarnado por el actor Jeremy Renner, en aras de desentrañar, de descifrar, la intencionalidad de los alienígenas, por los encargados de salvaguardar la especie humana, frente a un eventual ataque de los mismos.

Estas son las primeras imágenes que presenta el realizador Villeneuve (“Incendies”, “Enemies”), - muy aclamado por su reciente film “Sicario” sobre los horrores que provoca el narcotráfico en México -, en un thriller de ciencia-ficción que se aúna o asocia con el drama de los sentimientos de la protagonista femenina.

Conocer el lenguaje, “la casa donde los seres habitan”, es el propósito inmediato de la lingüista, respecto a los recientemente bautizados Abbott y Costello, los dos extraterrestres que interactúan utilizando ideogramas. Se tendrá que solucionar el tema de la incomunicación lingüística, tratando de entender, de hacer inteligible el mensaje, que en general será interpretado como violento, con excepción finalmente de esta dupla humano-cientificista, alineada a la paz, en una suerte de redención, que será uno de los temas más enriquecedores de la película.

El film está basado en un cuento de Ted Chiang, llamado “La historia de tu vida”, y remite a la percepción de una temporalidad que es similar a la de la protagonista, poseedor de una música nostalgiosa, y de una canción preciosista de juegos vocálicos que emerge imprevistamente, en la explanación de un esteticismo visual mayor, donde los austeros blancos y negros se contraponen, y el color rojo aparece casi como un “shock” para el espectador.

Aceptar las reglas, los fines inescrutables de la trascendencia, sin dejar de lado la libertad hacedora de elección, es otro de los puntos de vista que asedian a un espectador que no deja de inquietarse por el múltiple magisterio temático que plantea “Arrival”.

¿Será de una estatura inconmensurable lo que le explicitará secretamente a la lingüista, un representante gubernamental de China, en el desenlace de un film que no nos abandona, intelectual y emocionalmente, por largo tiempo? O será la misteriosa confesión de un acto abisal, que linda con el amor y la muerte frente a lo desconocido y “apenas sospechado”. ¿Qué más se puede decir? Que es una obra mayor.

P.M.

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FICHA TECNICA

“La llegada” (“Arrival”), Estados Unidos 2016. Dirección: Dennis Villeneuve. Guión: Eric Heisserer, sobre una narración de Ted Chiang. Fotografía: Bradford Young. Música: Jóhann Jóhannsson. Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Marc O’Brien, Abigail Pniowsky.

“La chica del tren” - La ventanilla indiscreta

CINE La chica del tren

 Basado en la relevante novela homónima de la escritora británica, Paula Hawkins, “La chica del tren”, film guionado por Erin Cressida Wilson, es un thriller del realizador estadounidense Tate Taylor (“Historias cruzadas”), con diversas miradas, retrocesos, devenires temporales, que tiene una protagonista que lleva el hilo conductor, Rachel, interpretada por Emily Blunt con gran solvencia y desafío actoral.

Las primeras imágenes muestran la figura algo torpe de Rachel, que día tras día, se sube a un tren (las panorámicas son notables y metafóricamente significativas), con la finalidad de acudir a un quehacer imaginario, puesto que ya no lo posee.

Se nos irá mostrando a Rachel en su tristeza, soledad, desolación, depresión, con una cuota de autismo, en la imposibilidad de recordar, y plasmar en palabras los deshilachados recuerdos que ocasionalmente pueden aflorar, emerger a su conciencia.

Es una mujer que lo ha perdido todo – trabajo, esposo, hogar, amistades -. Ha naufragado y sobrevive a su divorcio, alienándose en el alcoholismo, y viajando todos los días a un “destino”, obligación inexistente, en el tan mentado tren.

A través de la ventanilla vidriada, “indiscreta” de su asiento, su única preocupación son los segundos en el cual el tren pasa cerca de su ruta, por una determinada casa, para así Rachel poder observar atentamente la vida de una pareja que la habita, y de aquí fantasear acerca de ese amor que visiona desde la distancia como idealizado, perfecto.

¿Le permitirá la visión amorosa de la pareja, rememorar algo bueno de su ayer, o tal vez intenta “revivir” el deseo de lo que no fue, aun cuando los recuerdos han comenzado a deshabitar su mente, muy dañada por el alcohol?

Ocurrirá un quiebre en lo visionado, otro hombre sustituirá al marido “ideal”, en la terraza o balcón de la casa señalizada, elegida por ella. De aquí en más, una muy “shockeada” Rachel, decidirá involucrarse en los hechos, y de algún modo comenzará a enfrentarse emocionalmente con su pasado.

El retrato de Rachel en estos primeros momentos del film, no deja de ser fantástico, de tener un aura “kieslowskiana”, que la conducirá a la verdad develada, a la vida, a la curación.

El film se irá sumergiendo en un thriller, en un misterio a ser descifrado, - y del cual formará parte del mismo -, pero donde fluirán otras miradas y tiempos, pero en el que Rachel será la pieza determinante, la clave, en un universo en el cual eventualmente todos serán culpables, de lo sucedido al final del túnel.

Hay sucesos que no conviene revelar al lector, para así dejar que se instale un horrísino suspenso que irá hasta la desaparición y el homicidio de una de las agonistas.

Llegar al centro del laberinto, armar el desordenado puzzle, no será nada fácil para la protagonista, puesto que conlleva una dura lucha por la recuperación de la memoria, de su lugar en el mundo, de su libertad interior, para ir dejando atrás su minusvalía psicológica en relación a los recuerdos, tal vez “tabuados” por su psiquis enferma.

Luego de tan larga e intrigante peripecia, de atar los infinitos cabos, Rachel se sentará en otro vagón, mirando sólo hacia adelante. La heroína quizás pueda lograr un futuro existencialmente luminoso, puesto que ha recuperado lo verdadero, su autoestima, su dignidad.

Los ojos inquisitivos, la gestualidad reprimida, los silencios de Emily Blunt llegan a cincelar una performance mayor, dentro de un contexto actoral, principalmente femenino muy valioso, - las historias de Anne, de Megan, y sus puntos de vista -.

Aunque el film en cierto sentido, no deja de ser la actuación redentora de la muchacha del tren.

P.M.

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FICHA TECNICA

“La chica del tren”, Estados Unidos, 2016. Título original: “The girl on the train”. Dirección: Tate Taylor. Guión: Erin Cressida Wilson, basado en la novela de Paula Hawkins Música: Danny Elfman. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Elenco: Emily Blunt, Haley Bennett, Rebecca Ferguson, Justin Theroux, Luke Evans, Edgard Ramírez, Laura Prepon, Allison Janney, Lisa Kudrow.

Noviembre de estrenos en Cinemateca Uruguaya

Cine Adolescentes

 Este noviembre Cinemateca te sorprende con varios estrenos.

Foto: “Tres recuerdos de mi juventud”.

En Cinemateca 18, SANGRE DE MI SANGRE film del italiano Marco Bellocchi.
(Las manos en los bolsillos, La China está cerca, En el nombre del padre, La hora de la religión). A Bellocchio la vocación por la libertad, la osadía y las ganas de provocar no lo han abandonado, y reaparecen en esta película que  arranca en el siglo XVII: una monja es acusada por las autoridades de la Iglesia Católica de seducir y provocar el suicidio de su confesor. Torturada por la Inquisición, la mujer se resiste y hasta termina seduciendo al hermano gemelo del suicida, preocupado al principio porque su difunto pariente sea exculpado y pueda ser enterrado en terreno sagrado. Esa zona del film cuestiona brutalidades inquisitoriales e hipocresías aristocráticas, con el ineludible apoyo de la actriz Lidiya Liberman, muy convincente en su retrato de su monja seductora y víctima.
De pronto se produce un salto inesperado. La película se olvida de su drama de época y llega al presente, donde un millonario ruso pretende comprar el convento donde quedó apresada la monja de la historia anterior. Hay problemas, sin embargo: el lugar es habitado por un viejo vampiro que se resiste al desalojo. El asunto deriva en farsa que involucra a toda una galería de personajes grotescos, y que puede ser entendida como una alegoría de la Italia contemporánea, su corrupción y la ineficacia de su clase política

TRES RECUERDOS DE MI JUVENTUD, se estrena también en Cinemateca 18. Del director fránces: Arnaud Desplechin. El protagonista ha dejado atrás su natal Tayikistán recordando su infancia en Roubaix, las crisis de su madre, el vínculo que le unía a un hermano piadoso y violento. Los tres recuerdos del título retroceden hasta sus 16 años (con su padre, viudo inconsolable, y un viaje a la Unión Soviética donde se vio forzado a proporcionar su identidad a un joven ruso), hasta sus 19 (con hermana, primo, y amigos, a uno de los cuales tuvo que traicionar), y más cerca hasta sus estudios en París, su vocación por la antropología y un amor perdurable y acaso imposible.
Una vez más, el director Desplechin, que en 1996 hizo Comment je me suis disputé... (ma vie sexuelle), tiene al gran Mathieu Amalric como protagonista y alter ego, y despliega un estilo hecho de elipsis, de digresiones, de una esmerada selección de libros, música y canciones, con toques filosóficos y una narración que cuando lo cree necesario salta muy naturalmente de la primera persona a la omnisciencia.

Pocitos ofrece LOS SERES QUERIDOS, de la canadiense Anné Ëmond y MISTERIOS DE LISBOA del portugués Raoul Ruiz. Conozca toda la programación de Cinemateca en www.cinemateca.org.uy o llamé al 24195795.

Este noviembre Cinemateca te sorprende con varios estrenos.

 

“El Ciudadano Ilustre”, lo que no se perdona

Cine Ciudadano ilustre

 “El Ciudadano Ilustre” escenifica el tema de un escritor argentino muy reconocido, nacido en el pequeño pueblo de Salas (Provincia de Buenos Aires), merecedor del Premio Nobel, y que oscila entre el pintoresquismo, el nostalgioso, evocativo ayer, y la descarnada transgresión, el corrosivo humor, lo que el narrador cree ser, y lo que muchos “otros” piensan y esperan de él.

Lo que las distancias sociales, la fama, son capaces de generar y/o provocar, los alcances que tiene la Academia Sueca en tanto es capaz de frustrar temporariamente la creatividad de un artista, convirtiéndolo en una pieza museística que ya no moleste; la envidia, el rencor, la pasividad, la violencia contenida o no por los habitantes de Salas, y un largo etcétera, hasta llegar definitivamente, en cierto modo hasta lo que se concibe como lo “políticamente correcto”.

Tal es la parábola que se propusieron y lograron plasmar sus inteligentes hacedores, Gastón Duprat y Mariano Cohn, apelando a un notable, trabajado guión de esta suerte de tragi-comedia, que al cabo concita más interrogantes, y nerviosas risas que definiciones y/o respuestas.

En el llamado MONFIC 16, el film argentino inauguró el Festival Cinematográfico de Montevideo, el protagónico del escritor Daniel Mantovani, fue encarnado por el actor también argentino Oscar Martínez, que desde “Relatos Salvajes” se destacara en su valía y fuera distinguido con la Copa Volpi en el Festival de Venecia, por su genial performance; siendo la comedia dramática quien represente a la vecina orilla, en la ceremonia de los premios Oscar, además de haber cosechado múltiples distinciones internacionales.

La circularidad narrativa envuelve al film con una entonación documental. En las primeras imágenes, apreciamos la fastuosa casa en Barcelona del escritor Mantovani, quien dialoga con su asistente, luego de haber recibido críticamente el Nobel, respecto de futuras entrevistas, conferencias, homenajes, eventos culturales, a los cuales rechazará.

Sólo acepta la invitación que proviene de Salas, su monocorde pueblito, pues hace cuarenta años que se marchó de allí, y nunca más volvió, ni siquiera por la muerte de su padre, como se le amonestará críticamente en el devenir fílmico. Expresará enfáticamente: “hice una sola cosa en mi vida, escapar de ese lugar”. Pero sus personajes y las personas reales, nunca pudieron salir de allí.

El Intendente lo quiere homenajear, otorgándole la condecoración de Ciudadano Ilustre. De aquí en adelante, comenzará su peripecia. Las historias que lo han hecho famoso son fruto de ese ayer, pero lo que algunos de los habitantes de Salas no entenderán, es el abismo existente entre la realidad y la ficcionalización de la misma, además de otros disensos.

Antonio, su amigo – interpretado con gran magisterio por el actor Dady Brieva -, parece haber logrado lo que quería, material y vincularmente. Se casó con Irene (espléndida actuación de Andrea Frigerio), la ex novia de la adolescencia de Daniel Mantovani. Este reencuentro con Antonio tendrá aristas siniestras en su decurso. La entrevista que le hace la televisión local es de película, porque el “conductor” privilegia la bebida que promociona y deja de lado al escritor. El concurso de artes plásticas que preside rigurosamente, deberá ser posteriormente “arreglado” por el Intendente para poder sobrevivir en paz. El iracundo contador con pretensiones artísticas, llamará “rata” a Daniel, pues se enriqueció según su óptica, escribiendo atrocidades sobre sus conciudadanos.

El pueblo es su condena, pero como antaño le permitirá tal vez la búsqueda de las oportunas o certeras palabras, que emitirán sus personajes de ficción, que irá pergeñando en sus próximas obras.

Si bien al llegar se le condecora con una medalla, y se le pasea por las calles de la ciudad, hay quienes sienten con mayor o menor virulencia que los traicionó en su quehacer literario, denostando a esa ciudad de 234 habitantes, con obesas reinas de belleza, y que no deja de ser un pasado que lo cuestiona en forma permanente.

Hay una joven que le recrimina que en el hoy, explicita que la mejor literatura nace desde la adversidad, del dolor, pero se le presenta en la habitación del hotel donde se aloja, para leerle un testimonio opuesto, que figura en una de sus publicaciones, y que además servirá de pretexto para llevarlo por el camino de la sexualidad. Nada es lo que parece. Juegos de cinismos e ironías varias asaltan al espectador.

Los directores de “El artista”, “El hombre de al lado”, “Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo”, han llegado con “El Ciudadano Ilustre” a la desmitificación de un “infierno grande”, enfrentando la mirada del “diferente”, que quizás sólo por medio de la palabra, de la creación literaria puede evadirse del pasado que lo vio nacer, y visionar en el recepcionista del hotel, sus comienzos de otrora.

P.M.

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FICHA TECNICA

“El Ciudadano Ilustre”, Argentina, 2016. Dirección: Mariano CohnGastón Duprat. Guión: Gastón Duprat. Fotografía: Mariano Cohn. Música original: Toni M. Mir.

Elenco: Óscar Martínez, Dady Brieva,  Andrea FrigerioBelén ChavanneNora NavasIván SteinhardtManuel VicenteMarcelo D'AndreaGustavo Garzón

“Los modernos”, torbellino de imágenes y palabras desafiantes

Los modernos

 “Los modernos” está lejos de ser un film minimalista, se lo podría definir como una comedia con un sesgo dramático.

Los directores de “Los modernos”, – Marcela Matta y Mauro Sarser -, apelaron en su ópera prima a la utilización del austero blanco y negro, que estéticamente rima consonantemente con un discurso dialógico avasallante y crítico, de una serie de personajes treintañeros, que tuvieron que enfrentarse con la política de la post-modernidad, del consumismo y un largo etcétera, en relación a sus opciones laborales, emocionales, sexuales, paterno-maternales, - entre otras -.

La pareja que tiene mayor protagonismo, está interpretada con gran acierto por el autor Mauro Sarser y la actriz Noelia Campo (muy buena performance), una dupla de intelectuales que se aman, se agreden, se separan, se juntan, se distancian en la búsquedas de nuevos caminos, pero al cabo parecería que están unidos por el amor, el deseo, la pasión, la costumbre.

El retrato de Sarser, con su oratoria hipercrítica, con la creencia de tener la verdad absoluta respecto de las grandes y pequeñas cosas de la vida, está muy bien cincelado. Y como si fuera poco mima mucho a los niños, porque a su “ego” le gusta confrontarlos, así la escena de una niñita que se le acerca a su mesa, logra ser muy significativa en relación a la conversación establecida.

Clara-Noelia posee – en el papel de compañera -, una suerte de inteligencia más pragmática, trabaja como periodista en un canal de televisión (está encargada de un programa de entrevistas que está sazonado por el sarcástico humor, y la total irreverencia), y en la pre producción de un film documental con el mentado “Fausto”, a quien cuestiona con altura. Es madre de dos hijos de su anterior pareja, y Fausto no deja de ser un niño grande. Él se desviará hacia una actriz y dramaturga que vive en Argentina.

En su soledad transitoria, se le presentará a Noelia, otras ocasiones amorosas, pero tiene tan internalizado inconscientemente a Fausto, el editor free lance, que “aparece” imprevistamente con sus juicios denostadores, y le frustra esos encuentros fantásticos, con ironía y humor.

Muy astutamente Mauro le sugiere a Noelia, probar su sexualidad con una lesbiana, que se dará con una fotógrafa, y tendrá surrealistas consecuencias, en la cual él se verá involucrado inevitablemente. La escena de la pareja con la diversidad junto al mar está muy bien resuelta.

El “leit-motiv” gardeliano “si tú no estás… la flor no perfuma” va pautando las oscilaciones amorosas con cierta aura de fatalidad y/o dramatismo.

Otra pareja amiga más estable, opera en el devenir fílmico como la contracara de lo fluctuante.

Las calles, los bares montevideanos están fotografiados con excelencia, y la banda sonora es muy subyugante.

Se ha dicho del film que tiene una pátina “alleniana”, ya que los agonistas son una suerte de neuróticos entrañables e impertinentes, que se confiesan con el espectador sin tapujos.

Infinitos subtemas pueblan esta gran aventura de vivir, como el amor, el desamor, el intelectualismo a ultranza, el escapismo, lo laboral, la creación, el criticismo, la paternidad, la diversidad, la antagonía entre la televisión pública y privada, tal vez en una búsqueda insaciable de respuestas que hay que decantar.

El film deja al espectador con múltiples interrogantes, lo que es una buena cosa, dentro del contexto de las muy diferentes proposiciones del cine nacional.

P.M.

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FICHA TECNICA

“Los modernos”, Uruguay, 2016. Dirección, guión y montaje: Mauro Sarser, Marcela Matta. Fotografía: Germán Luongo. Música original: Francisco Fattoruso. Elenco: Noelia Campo, Mauro Sarser, Federico Guerra, Stefania Tortorella, Marie Hélène Wyaux, María Paz Rodríguez.

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