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Festival de Cine: Premiaciones y Menciones

Cinemateca Fachada Mural

 Ha finalizado el 35º Festival Cinematográfico Internacional del Uruguay, organizado por un equipo de personas admirables de Cinemateca Uruguaya, que una vez más lo ha hecho posible, por el esfuerzo, amor y fe por el cine que profesan, continuando el magisterio, el legado del crítico Don Manuel Martínez Carril, siempre tratando de difundir el cine autoral, creativo, que se realiza en diferentes partes del mundo.

El pasado 6 de abril, en la ceremonia de apertura, se exhibió el opus francés “El porvenir”, de la directora Mia Hansen-Love, cuya heroína es nada menos que la gran actriz Isabelle Huppert, asediada, resquebrajada en su intimidad por valores que no son decididamente los suyos. Notable periplo que tendrá que sortear la exquisita actriz francesa en su protagonismo, en su libertad.

Los cineastas belgas, los hermanos Dardenne (Jean-Pierre y Luc), se hicieron presentes metafóricamente, la noche del 15 de abril, en el contexto de la clausura del evento, con el film “La chica sin nombre” (Bélgica, 2016), que será motivo de un análisis más exhaustivo en una nota posterior.

Varios prestigiosos jurados se encargaron de seleccionar, dar menciones, elegir los mejores films en competencia en los diferentes rubros y secciones, pero privilegiando la elección, la votación del público, el destinatario esencial de las obras proyectadas, que colmara la sala con devoción, fervor casi religioso.

Así el premio del público fue para “Mister Universo” (Italia, 2016), una suerte de “road movie” circense y más allá, dirigido por la italiana Tizza Covi y el austríaco Rainer Frimmel, poniendo en escena un extraño universo que está en vías de extinción.

“La mujer del padre” de Cristiane Oliveira, coproducción uruguayo-brasileña (2016), que se estrenará el próximo 25 de mayo, se erigió como mejor largometraje iberoamericano, film que viene siendo distinguido por su conmovedora veta intimista en el Festival Internacional de Río de Janeiro y en la 40º Muestra Internacional de Cine de San Pablo.

Hubo también por el jurado afiliado a Fipresci, una mención para el “falso” documental ecuatoriano, “Un secreto en la caja”. Por la reflexión que comporta acerca de la amistad y las visiones no panfletarias sobre la sociedad cubana de hoy, el film “Últimos días en La Habana” (Cuba-España, 2016), fue merecedor de otra mención.

El largometraje “Pendular” (Brasil-Argentina-Francia, 2017), dirigido por la directora brasileña Júlia Murat, obtuvo una mención por su creatividad, esteticismo y originalidad. Los personajes – una bailarina, un escultor -, conviven en un territorio, en un galpón abandonado, demarcado por una cinta adhesiva que los separa, y que los llevará con gran fuerza a la muy dramática confusión espacial, artística, sensual, sentimental.

El Jurado de cortometrajes internacionales, premió a “Raisa”, un corto procedente de Moldavia-Rumania-Austria, 2016, y a “Fajr” coproducción España-Marruecos 2016, que fuese privilegiado con una mención.

El Jurado de Cine por los Derechos Humanos otorgó dos menciones. Una para “Los días ahogados” (España, 2016), dirigida por César Souto y Luis Avilés, sobre lo acontecido en España en el año 1992, donde dos aldeas de Galicia fueron anegadas por la construcción de un embalse portugués. Es un “valioso documento histórico y etnográfico”, filtrado por las filmaciones caseras acerca del poder. “El Amparo” (Venezuela-Colombia, 2016), del director Robert Calzadilla, tiene como tema ominoso la suerte del campesinado inocente, victimizado como guerrilleros, y la consiguiente resistencia del pueblo.

La premiación para la ópera prima de la realizadora Lissette Orozco, “El pacto de Adriana” (Chile, 2017), es la búsqueda de una horrísona verdad, silenciada por el ámbito familiar.

Como mejor largometraje iberoamericano en competencia, se le otorga una mención a “Cuatreros” (Argentina, 2017). Se la ha visto por la crítica como un film “inclasificable” que está en el límite entre el documental y la ficción. La evocación del último gaucho rebelde contra el gobierno argentino, es el pretexto de la directora, Albertina Carri, para plasmar una vasta explanación de la memoria historiográfica, personal.

Se da un primer premio compartido a dos films: “La ciudad donde envejezco” (Brasil-Portugal, 2016) de la realizadora, Marilia Rocha, que apunta a la relación entre dos amigas diferentes psicológicamente, y la relación de ambas con el país de origen, Portugal y el que las acoge, Brasil. La soledad y la añoranza que entrañan el arraigo en tierra extranjera, son los tópicos recurrentes. La distinción es compartida con el opus “Un secreto en la caja” (Ecuador-España, 2016) de Javier Izquierdo. La creación imaginaria del escritor ecuatoriano Marcelo Chiriboga, un invento del “boom” literario de la década sesentista, hecha por los escritores José Donoso y Carlos Fuentes, es la excusa inevitable para indagar en el pasado literario, histórico de Ecuador, un hilo conductor que sirve para explicar el presente.

La mirada a los “Nuevos Realizadores” se resolvió en dos menciones otorgadas a los films “Out of love”, “El alfiler negro”, y el premio del Jurado fue para “Alba”.

 

“Out of love” (Holanda-Francia, 2016) de Paloma Aguilera, pone en escena la convivencia de una pareja que transita por varios estados anímicos, en una suerte de amor enfermizo, oscilante entre el amor y el odio.

La ópera prima de Ivan Marinovic, “El alfiler negro” (Montenegro-Serbia, 2016), tiene como protagonista a un sacerdote que regresa a su pueblo, y tiene que vérselas con circunstancias adversas. La pintura de esta historia costumbrista no carece de humor negro, con una espléndida fotografía del paisaje balcánico.

 

“Alba” (México-Ecuador-Grecia, 2016) de Ana C. Barragán, como primer largometraje obtuvo el Primer Premio Fipresci y es premiado en esta competición. Plantea el difícil oficio de crecer. Con una madre hospitalizada, y un padre tímido e introvertido que apenas conoce, “Alba”, un film con escasos diálogos se resuelve por la agonista en la aceptación de la familia y de la adolescencia.

La premiación a Largometrajes Internacionales, distinguió al film “La región salvaje” (México-Dinamarca-Francia-Alemania-Suiza, 2016) de Denze Amat Escalante. Una pareja, sus hijos, un hermano serán empujados a lo inquietante desconocido. El film es una suerte de thriller de terror sexual, de corte feminista.

 

“La idea de un lago” (Argentina-Suiza-Qatar, 2016) dirigido por Milagros Mumenthaler, se centra en la historia de una fotógrafa embarazada, que ansía finalizar su libro antes del nacimiento de su bebé. Pero el recuerdo de la casa de su infancia y de su padre desaparecido en la dictadura militar no la abandonarán fácilmente.

Fue premiado el cortometraje uruguayo “A sus ojos” de Vanessa Guala. El tema es de una liceal que siente atracción por su profesor.

Muy buenas películas quedaron por el camino, pero elegir connota siempre sacrificar algunos films de gran valía. “Historia de una pasión” (Reino Unido, 2016) de Terence Davis que logra recrear la vida y obra de la gran poeta norteamericana Emily Dickinson, sería una de ellas. Y la notable película “La chica sin nombre” de los realizadores belgas sería otra, entre varias más.

Es de esperar que algunas películas sean estrenadas en el decurso de este año, ya sea por Cinemateca Uruguaya o por salas comerciales adherentes al buen cine. Excelente Festival.

Paula Montes

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CINE: Platinos con presencia uruguaya

Los modernos

 Madrid acogerá el 22 de julio la gala de entrega de la cuarta edición de los premios Platino del Cine Iberoamericano.

Foto: Los Modernos.

Los modernos y Las toninas van al Este, máximas candidatas uruguayas a las nominaciones de los IV Premios PLATINO del Cine Iberoamericano.

La Caja Mágica de Madrid acogerá la gala de entrega de la cuarta edición de los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano el próximo sábado 22 de julio. Así lo ha desvelado el Consejo de Dirección de los primeros galardones globales iberoamericanos del séptimo arte en español y portugués en un acto celebrado en la Galería de Cristal del Ayuntamiento de Madrid. La ceremonia, que será retransmitida por RTVE y por TNT para toda Iberoamérica, irá acompañada de numerosas actividades, como el VI Foro EGEDA – FIPCA del Audiovisual Iberoamericano o proyecciones de largometrajes participantes.

Durante la presentación, los actores Adrián Lastra, Asier Etxeandía, Ernesto Alterio, Leticia Dolera, Natalia de Molina y Juan Pablo Shuk han anunciado las 20 candidaturas para cada categoría, con las que el Jurado internacional determinará las cinco nominaciones finales que se darán a conocer el 31 de mayo. Los modernos, de Mauro Sarser, Marcela Matta con 5 candidaturas y Las toninas van al Este, de Gonzalo Delgado, Verónica Perrotta son las máximas aspirantes uruguayas a estar entre las finalistas.

Ciento cuarenta y dos producciones superaron la primera preselección, realizada por instituciones cinematográficas de los 23 países de Iberoamérica, sobre las 847 obras participantes y que se dieron a conocer el doce de marzo en el 32 Festival de Cine en Guadalajara, México. En esta segunda fase el número se ha reducido a 104 títulos que optan a las nominaciones finales. La representación de Uruguay está formada por 6 producciones encuadradas en los distintos apartados.

Los modernos, de Mauro Sarser, Marcela Matta aspira a estar en las nominaciones finales en los apartados de Mejor Ópera Prima de Ficción, Cine y Educación en Valores, Mejor Interpretación Femenina con Noelia Campo, Mejor Música Original, y Mejor Dirección de Fotografía. Mantiene sus candidaturas Las toninas van al Este, de Gonzalo Delgado, Verónica Perrotta para Mejor Dirección de Montaje, Mejor Dirección de Arte y Mejor Dirección de Sonido.

En la misma situación se encuentran Migas de pan, de Manane Rodríguez en las categorías de Cine y Educación en Valores y Mejor Interpretación Femenina con Cecilia Roth; y Clever, de Federico Borgia, Guillermo Madeiro en Mejor Interpretación Masculina con Hugo Piccinini. En la nueva categoría dedicada a la Mejor Teleserie o Miniserie cinematográfica iberoamericana, Uruguay está representado por Feriados y Rotos y descosidos.

Entre las películas que continúan en carrera por los Premios PLATINO también se encuentran dos coproducciones con participación minoritaria uruguaya: Boi Neon de Gabriel Mascaro (Brasil, Uruguay) y La luz incidente de Ariel Rotter (Argentina, Francia, Uruguay), que en conjunto suman diez candidaturas.

En el acto Enrique Cerezo, Presidente de EGEDA y Presidente Ejecutivo de los Premios PLATINO, entregó a Manuela Carmena, Alcaldesa de Madrid, un Premio PLATINO en reconocimiento a la ciudad de Madrid como sede de los galardones en 2017. También se descubrió el cártel de la presente edición diseñado por Mariscal, creador también del Trofeo y logo de los PLATINO, en el que uno de los rincones más cinematográficos de la capital de España, los Cines Callao, ocupan un lugar destacado ya que tendrán un protagonismo especial durante la celebración de los galardones.

La presentación contó también con la asistencia de Luis Cueto, Coordinador General de la Alcaldía de Madrid; Fernando Benzo, Secretario de Estado de Cultura; Marta Rivera, Presidenta Comisión de Cultura del Congreso de los Diputados; Yvonne Blake, Presidenta de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España; Eladio Jareño, Director de TVE, e Ignacio Calderón, Director General de la Fundación de Ayuda contra la Drogadicción (FAD), además de numerosos representantes de nuestra industria audiovisual.

Con tan solo cuatro años de vida, los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano se han convertido en el mayor evento de difusión del séptimo arte en español y portugués. En 2016 los galardones generaron cerca de 120.000 noticias en radio, prensa, televisión y medios online.

Las galas de entrega de los Premios PLATINO celebradas en Panamá, Marbella y Punta del Este, han contado con la presencia de grandes estrellas iberoamericanas como Antonio Banderas, Sonia Braga, Eugenio Derbez, Leandra Leal, Ricardo Darín, Angie Cepeda, Guillermo Francella, Dolores Fonzi, Antonio de la Torre, Paulina García, Javier Cámara, Adriana Barraza o Joaquim de Almeida. La última ceremonia fue retransmitida por 17 canales de televisión para los cinco continentes, generando que los Premios PLATINO fueran trending topic Mundial.

Los Premios PLATINO del Cine Iberoamericano promovidos por EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales), con FIPCA (Federación Iberoamericana de Productores Cinematográficos y Audiovisuales), y con el apoyo de las Academias e Institutos de cine iberoamericanos, Latin Artist y la Fundación AISGE, trabajan desde su primera edición en 2014, en que los triunfos en los festivales más prestigiosos se traduzcan también en excelentes resultados en taquilla y que nuestro cine tenga la distribución que se merece.

“Jackie”, “Navegando en un agua de origen y ceniza”

Cine Jackie

El filme “Jackie”, no es una biopic acerca del trigésimoquinto presidente de Estados Unidos, el demócrata John Fitzgerald Kennedy (J.F.K.), un hombre que tuviera gran carisma presidencial, por cierta sinceridad, comunicación y sentido del humor para tratar con los medios de prensa, con la gente, aunque su quehacer quedara trunco, debido a su asesinato ocurrido el 22 de noviembre de 1963 en Dallas, Texas, en pleno día, cuando había sido recibido por una multitud que colmaba las aceras, debido a que Lee H. Oswald, el presunto homicida, fue el origen de el o los disparos que se abatieron sobre su cabeza.

El ominoso hecho configura hasta el presente, uno de los mayores enigmas históricos, ya que Oswald fuese ultimado de muerte a su vez.

Kennedy (1960-1963) había alcanzado a impulsar una ley por los derechos civiles de los negros, que más tarde se concretará por su sucesor Lyndon Johnson, por realizar un acuerdo con el ministro ruso Nikita Jruschov, para que la potencia soviética retirara sus misiles de Cuba, comprometiéndose a no invadir más la isla, aspiró a estimular el desarrollo económico de América Latina, que la posterior praxis inmediata en cierto modo desvirtuara, echó las bases de un posible entendimiento con Moscú, alejando el fantasma de una guerra nuclear, dentro del contexto de la llamada guerra fría.

La inesperada muerte, el lejano magnicidio no deja de ser, - si analizamos hoy al imperio con Donald Trump en la égida, en la cual emerge o se presentifica para algunos espectadores, la “Oda a Roosevelt” del gran poeta nicaragüense Rubén Darío -, una hora muy aciaga y patética.

El filme “Jackie”, en la notable actuación de Natalie Portman (nominada al Oscar por su actuación protagónica), como su esposa, se centra, discurre a partir de lo trágico en los días siguientes al homicidio, en las oscilaciones anímicas que se presentarán, en ocasión de una entrevista, que la ex primera dama, le concede a un periodista. Es curioso que sea el muy contestatario director chileno Pablo Larrain, quien se adentre en la intimidad de Jackie, en su dolor, en su ira, en su crisis, en su desolación, en su punto de vista.

En las imágenes se aprecia que en la evocación de la gira política con su marido, le hayan obsequiado en otros estados flores amarillas, y en Dallas le entregasen las muy significativas rosas rojas.

La rememoración de la muerte violenta del presidente, subrayada por la muy impactante música clásica, es desgarradora. De aquí que el realizador privilegie los ojos de Portman que no pueden despegarse del horror acaecido e interrogante, en su dramático sonambulismo; aunque los flashbacks muestren para mitigar, suavizar, cómo en el ayer, Jackie le cambió la cara a la Casa Blanca, llevando artistas – entre otros -, de la talla del gran violonchelista y compositor español, Pablo Casals, recreando para el espectador el mundo conocido como “Camelot”, en una suerte de imágenes de archivo.

La juvenil pareja admiraba la figura ejemplar de Abraham Lincoln, y tenía un espacio de la Casa, dedicado a quien luchara denodadamente por la abolición de la esclavitud de los negros, hasta su homicidio perpetrado por un sureño pro-esclavista en 1865. Imposible olvidar la actuación del actor Daniel Day-Lewis en el film “Lincoln” de Steven Spielberg, y el momento clímax en el cual se vota la igualdad de todos los hombres ante la ley. Lincoln hablaba de “ese pecado moral llamado esclavitud”.

Jacqueline piensa que el cortejo fúnebre y el sepelio deberían ser semejantes al de Lincoln, - pero su aspiración será primariamente desestimada -, para luego marchar detrás del féretro, en procesión con sus hijos, familiares y demás mandatarios y/o representantes de innumerables países, hasta llegar a la catedral de San Mateo.

Pero los pequeños niños terminarán trasladándose en automóvil, en tanto Jackie y Bobby Kennedy (Peter Sarsgaard) en su incondicional apoyo anímico, emocional, se desplazarán caminando, acompañados por los dignatarios extranjeros y estadounidenses.

El viento mueve con serenidad el velo negro que tapa su rostro, pero la fuerza inquebrantable, la entereza de Jackie es inefable. El mundo entero vio y vivenció la injusta muerte de su esposo y las honorables exequias fúnebres que le correspondían a un estadista.

La conversación que mantendrá Jackie con un sacerdote, no está exenta de matices muy enriquecedores. Son inescrutables los designios divinos, y la aceptación última es un largo, sombrío camino sin respuestas.

En el devenir fílmico están muy logrados los códigos de la reconstrucción epocal, mobiliario, vestimentario, así como la banda sonora, y el estrato fotográfico.

Los primeros planos que se ciernen sobre el rostro inquietante, dan la tónica del duelo de un corazón aterido, que está muriéndose de pena, de una esposa y madre volcada a enaltecer y honrar la persona de John, en ese dolor que no cesa, que no la abandona, que por momentos le hace desear su propia muerte.

El opus merece ser visionado con intensidad, ya que genera una mezcla de encontradas emociones. La performance de Natalie Portman es la noche de un alma abisal que trata de no quebrarse, puesto que John Kennedy fue un presidente “diferente” y muy querido por todos los norteamericanos.

Paula Montes                                                                                                                                Esta dirección de correo electrónico está protegida contra spambots. Usted necesita tener Javascript activado para poder verla.

FICHA TECNICA

“Jackie”, Estados Unidos-Chile-Francia-Hong Kong 2016. Dirección: Pablo Larrain. Guión: Noah Oppenheim. Fotografía: Stéphane Fontaine. Música: Mica Levi. Vestuario: Madeline Fontaine. Elenco: Natalie PortmanPeter SarsgaardBilly CrudupJohn HurtGreta Gerwig, John Carroll LynchRichard E. GrantMax CasellaBeth GrantCaspar Phillipson, Julie JuddSara VerhagenSunnie PelantHélène KuhnDeborah Findlay, Corey Johnson.

“El sereno”: Miedos en soledad

Cine El Sereno

 Llego la primera película nacional que podremos ver en las principales salas de todo el país. La película titulada “El sereno” es la ópera prima de los cineastas Juacko Mauad y Oscar Estévez, éste último guionista de la “La casa muda”.

Todo comenzó cuando los directores visitaron un viejo depósito ubicado en el barrio el Cordón y al descubrir la atmósfera que el lugar ofrecía no tardaron en imaginarse lo perturbador que podía ser para un sereno trabajar en ese inmenso lugar.

El proyecto se volvió cada vez más real cuando se convirtió en uno de los ganadores en la categoría de largometraje de ficción que los fondos Montevideo Filma y Montevideo Socio Audiovisual asignan cada año. La producción quedó a cargo de Guazú Media y en coproducción con Cinemagroup de Argentina, lo que le facilitó contar también con el apoyo del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de dicho país.

El intercambio con la vecina orilla llega también en el elenco, donde por un lado se cuenta con actores uruguayos cómo César Troncoso y Álvaro Armand Ugón y por el otro, el argentino Gastón Pauls como protagonista.

La historia se centra en Fernando (Gastón Pauls) un adicto que llega al oscuro depósito buscando trabajo. Sus noches en el lugar se vuelven cada vez más inquietantes cuando en un mar de ruidos desconocidos descubre una reja abierta. Su historia personal que lo atormenta y un misterio que no cesa de crecer, lo empujan a recorrer sectores del lugar que le estaban prohibidos. Este marco dibuja las líneas de un thriller psicológico de suspenso y oscuridad con particulares toques paranormales.

El sereno. Uruguay-Argentina 2017. Dirección: Oscar Estévez – Joaquín Mauad. Guión: Oscar Estévez – Federico Roca. Con: Gastón Pauls, César Troncoso, Álvaro Armand Ugón, Cecilia Caballero, Valentina Barrios, Lalo Labat.

Los Oscars 2017

Oscar 2017

 Luego de una confusión histórica en que la película La la land apareció como la ganadora del Oscar, fue conocido que la mejor película para la Academia fue Moonligit.

La Academia de Hollywood ha entregado por fin todos los Premios Oscar de esta edición, en el Dolby Theater de Hollywood Boulevard de Los Ángeles.

Fue por unos segundo que La La Land ganó el Oscar a la mejor película, despúes de una confusión de sobres de Warren Beatty, Moonlight se lo arrebató para convertirse en la gran ganadora de la noche.

Para este año, en la 89ª de la entrega de los premios Oscar, la gran favorita era La La Land, el musical de Damien Chazelle, con 14 nominaciones, igualando a películas como 'Titanic' y 'Eva al desnudo'.

Sin embargo, hubo emoción hasta el final. Moonlight se llevó el Oscar a la mejor película y Oscar al mejor actor secundario (Mahershala Ali). Emma Stone supo llevarlo con humor: "Estoy jodidamente enamorada de Moonlight".

Jimmy Kimmel, comediante de 49 años y conocido por su show 'Jimmy Kimmel Live!', fue el presentador de la gala de esta nueva edición de los Oscar.

El listado de los ganadores de los Premios Oscar 2017

Oscar como Mejor película - Moonligit

Oscar a la mejor actriz protagonista - Emma Stone por La La Land

Oscar al mejor actor protagonista - Casey Affleck por Manchester frente al mar

Oscar a la mejor actriz de reparto - Viola Davis por Fences

Oscar al mejor actor de reparto - Mabershala Ali por Moonlight

Oscar al mejor director - Damien Chazelle por La La Land

Oscar a la mejor banda sonora - La La Land de Justin Hurwitz

CINE - ESTRENO: “Manchester junto al mar”

CINE Manchester

Hay dos películas que van camino de los premios Oscar, que son grandes postulaciones, “La llegada” del director Dennis Villeneuve, y la de origen también estadounidense, dirigida y guionada por Kenneth Lonergan, “Manchester junto al mar”, unidas en cierto modo por la fracturada memoria del dolor de sus protagonistas.

“Manchester junto al mar”, además de ser visualmente impecable, en la cual el blanco de la nieve se contrapone a la oscuridad vestimentaria de sus agonistas, recrea lugares donde lo boscoso es casi metafórico en relación de los laberintos morales de la culpa, del dolor que se irán dando a conocer en el devenir fílmico; de los hallazgos de una cámara que de pronto descubre en la lejanía, las casas iluminadas frente al mar, en el contexto interior de la significativa noche del alma.

La música clásica subraya desde la banda sonora los aconteceres, en ocasiones apelando al lirismo de la voz humana en su dramatismo y exquisitez.

Las primeras imágenes muestran a Lee (interpretado con infinita solvencia por Casey Affleck), un ser solitario, alcohólico, introvertido, un taciturno que mide sus palabras, que reside en Boston y cuyo trabajo es la realización de mil oficios para una empresa, que en ocasiones le amonesta por sus irreverencias respecto de sus clientes. El sentimiento de pérdida anida en su espíritu, - el retrato cuidadoso, conmovedor que hace el realizador es notable, con sus toques de austeridad casi bergmanianos -, en relación a los hijos muertos, a consecuencia de un incendio que lo hace sentir culpable. Su ex mujer, encarnada por la actriz Michelle Williams, ha “rehecho” su vida. No obstante el breve encuentro entre ambos, configura una escena antológica en su desgarro, en el hermetismo que Lee desea continuar como refugio.

La pulsión de autoflagelarse, o de muerte a secas, afloran desde su inconsciente, y así un desamparado Affleck por momentos no los puede manejar. Tampoco su ira contra sí y contra el prójimo.

Pero la muerte de su hermano muy querido en la región manchesteriana, cambiará su vida, puesto que lo ha nombrado tutor de su hijo de diecisiete años. La escena con el abogado que le comunica la decisión testamentaria de su hermano, lo desacomoda totalmente, ya que no se siente capaz de esa tarea o desafío, y presume con razón que el joven no querrá trasladarse, y él no está dispuesto a volver definitivamente a un lugar, que le hace revivir su pasado trágico, que le ha tejido en derredor, una oscura leyenda.

Para el adolescente, la pérdida de su padre es difícil de asumir, de ahí que se aliene primariamente en la música, en sus amigos, en sus amoríos. Su tío no lo juzga, acepta la negación. La performance del sobrino, encarnado por Lucas Hedges es también brillante. El proceso de gradual asunción de la muerte de su padre, está mostrado con gran maestría, por un director analista de la compleja condición humana.

La vida es pérdida para estos dos seres que tratarán de comunicarse y quererse. Tras una dura lucha llegarán a comprenderse, pero no conviene contar el cómo. Los planos medios van develando la gestualidad desoladora de Lee-Affleck, la imposibilidad de asimilar la fatalidad de su pasado, su mirada vacía e interrogante, los largos silencios que lo envuelven.

Es muy ingeniosa la intercalación desde las acciones presentes, de pequeños “flashbacks”, que enriquecen el relato decididamente, con la finalidad de ensamblar el hoy con el ayer de este drama familiar.

El director de “Margaret”, “Puedes contar conmigo”, en “Manchester junto al mar”, propone un film muy reflexivo, muy profundo, muy “off” con referencia a la industria hollywoodense, de aquí que la filmografía del realizador sea muy reverenciada en Sundance, y por el público y la crítica europea. Es cine y verdad. O poesía necesaria del dolor de existir.

Paula Montes    

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FICHA TECNICA

“Manchester junto al mar” (“Manchester by the sea”), Estados Unidos 2016. Dirección y guión: Kenneth Lonergan. Fotografía: Jody Lee Lipes. Música: Lesley Barber. Dirección de arte: Jourdan Henderson. Elenco: Casey AffleckMichelle WilliamsKyle ChandlerLucas HedgesTate DonovanErica McDermottMatthew BroderickGretchen MolSusan PourfarChristian J. Mallen, Frankie ImbergamoShawn FitzgibbonRichard DonellyMark BurzenskiMary Mallen, C. J. Wilson.

CINE - “La llegada”: Obra mayor

Cine La llegada

 “La llegada” del director canadiense Dennis Villeneuve, trasciende el género de ciencia-ficción ampliamente, y como obra de arte que es, está a la altura del film “Solaris” de Tarkovsky y de “2001: Odisea del espacio” de Stanley Kubrick.

Es una postulación fílmica abarcadora del temor a lo desconocido, de la dura aceptación o no del inevitable, fatalista destino, una suerte de experiencia místico-religiosa, una apuesta por la paz intergaláctica, luego de una impronta bélica mundial que no llega a desatarse, pero casi se hubiese producido a nivel global, un misterio a descifrar en cada plano, en cada imagen, en cada parlamento o silencio, y un largo etcétera que deja al espectador inmerso, sumergido en lo silente, en la angustiosa reflexión, por un buen período de tiempo.

Los extraterrestres en sus naves, han llegado al estado de Montana, y a otros 11 puntos claves de nuestro mundo o universo, el significativo, muy cargado de religiosidad número doce, se ha diseminado estratégicamente. La noticia sorprende a un grupo de estudiantes universitarios, y a la lingüista que está impartiendo sus conocimientos, Louise Banks (en la fantástica, conmovedora actuación de Amy Adams), personaje que además deberá lidiar con un pasado de amor y muerte respecto de su hijita, con sus selectivos recuerdos, con la fracturada memoria del dolor, que deviene por momentos desde un futuro impredecible, sobrecogedor.

Será elegida como humanista destacada, junto al calificado científico, encarnado por el actor Jeremy Renner, en aras de desentrañar, de descifrar, la intencionalidad de los alienígenas, por los encargados de salvaguardar la especie humana, frente a un eventual ataque de los mismos.

Estas son las primeras imágenes que presenta el realizador Villeneuve (“Incendies”, “Enemies”), - muy aclamado por su reciente film “Sicario” sobre los horrores que provoca el narcotráfico en México -, en un thriller de ciencia-ficción que se aúna o asocia con el drama de los sentimientos de la protagonista femenina.

Conocer el lenguaje, “la casa donde los seres habitan”, es el propósito inmediato de la lingüista, respecto a los recientemente bautizados Abbott y Costello, los dos extraterrestres que interactúan utilizando ideogramas. Se tendrá que solucionar el tema de la incomunicación lingüística, tratando de entender, de hacer inteligible el mensaje, que en general será interpretado como violento, con excepción finalmente de esta dupla humano-cientificista, alineada a la paz, en una suerte de redención, que será uno de los temas más enriquecedores de la película.

El film está basado en un cuento de Ted Chiang, llamado “La historia de tu vida”, y remite a la percepción de una temporalidad que es similar a la de la protagonista, poseedor de una música nostalgiosa, y de una canción preciosista de juegos vocálicos que emerge imprevistamente, en la explanación de un esteticismo visual mayor, donde los austeros blancos y negros se contraponen, y el color rojo aparece casi como un “shock” para el espectador.

Aceptar las reglas, los fines inescrutables de la trascendencia, sin dejar de lado la libertad hacedora de elección, es otro de los puntos de vista que asedian a un espectador que no deja de inquietarse por el múltiple magisterio temático que plantea “Arrival”.

¿Será de una estatura inconmensurable lo que le explicitará secretamente a la lingüista, un representante gubernamental de China, en el desenlace de un film que no nos abandona, intelectual y emocionalmente, por largo tiempo? O será la misteriosa confesión de un acto abisal, que linda con el amor y la muerte frente a lo desconocido y “apenas sospechado”. ¿Qué más se puede decir? Que es una obra mayor.

P.M.

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FICHA TECNICA

“La llegada” (“Arrival”), Estados Unidos 2016. Dirección: Dennis Villeneuve. Guión: Eric Heisserer, sobre una narración de Ted Chiang. Fotografía: Bradford Young. Música: Jóhann Jóhannsson. Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker, Marc O’Brien, Abigail Pniowsky.

“La chica del tren” - La ventanilla indiscreta

CINE La chica del tren

 Basado en la relevante novela homónima de la escritora británica, Paula Hawkins, “La chica del tren”, film guionado por Erin Cressida Wilson, es un thriller del realizador estadounidense Tate Taylor (“Historias cruzadas”), con diversas miradas, retrocesos, devenires temporales, que tiene una protagonista que lleva el hilo conductor, Rachel, interpretada por Emily Blunt con gran solvencia y desafío actoral.

Las primeras imágenes muestran la figura algo torpe de Rachel, que día tras día, se sube a un tren (las panorámicas son notables y metafóricamente significativas), con la finalidad de acudir a un quehacer imaginario, puesto que ya no lo posee.

Se nos irá mostrando a Rachel en su tristeza, soledad, desolación, depresión, con una cuota de autismo, en la imposibilidad de recordar, y plasmar en palabras los deshilachados recuerdos que ocasionalmente pueden aflorar, emerger a su conciencia.

Es una mujer que lo ha perdido todo – trabajo, esposo, hogar, amistades -. Ha naufragado y sobrevive a su divorcio, alienándose en el alcoholismo, y viajando todos los días a un “destino”, obligación inexistente, en el tan mentado tren.

A través de la ventanilla vidriada, “indiscreta” de su asiento, su única preocupación son los segundos en el cual el tren pasa cerca de su ruta, por una determinada casa, para así Rachel poder observar atentamente la vida de una pareja que la habita, y de aquí fantasear acerca de ese amor que visiona desde la distancia como idealizado, perfecto.

¿Le permitirá la visión amorosa de la pareja, rememorar algo bueno de su ayer, o tal vez intenta “revivir” el deseo de lo que no fue, aun cuando los recuerdos han comenzado a deshabitar su mente, muy dañada por el alcohol?

Ocurrirá un quiebre en lo visionado, otro hombre sustituirá al marido “ideal”, en la terraza o balcón de la casa señalizada, elegida por ella. De aquí en más, una muy “shockeada” Rachel, decidirá involucrarse en los hechos, y de algún modo comenzará a enfrentarse emocionalmente con su pasado.

El retrato de Rachel en estos primeros momentos del film, no deja de ser fantástico, de tener un aura “kieslowskiana”, que la conducirá a la verdad develada, a la vida, a la curación.

El film se irá sumergiendo en un thriller, en un misterio a ser descifrado, - y del cual formará parte del mismo -, pero donde fluirán otras miradas y tiempos, pero en el que Rachel será la pieza determinante, la clave, en un universo en el cual eventualmente todos serán culpables, de lo sucedido al final del túnel.

Hay sucesos que no conviene revelar al lector, para así dejar que se instale un horrísino suspenso que irá hasta la desaparición y el homicidio de una de las agonistas.

Llegar al centro del laberinto, armar el desordenado puzzle, no será nada fácil para la protagonista, puesto que conlleva una dura lucha por la recuperación de la memoria, de su lugar en el mundo, de su libertad interior, para ir dejando atrás su minusvalía psicológica en relación a los recuerdos, tal vez “tabuados” por su psiquis enferma.

Luego de tan larga e intrigante peripecia, de atar los infinitos cabos, Rachel se sentará en otro vagón, mirando sólo hacia adelante. La heroína quizás pueda lograr un futuro existencialmente luminoso, puesto que ha recuperado lo verdadero, su autoestima, su dignidad.

Los ojos inquisitivos, la gestualidad reprimida, los silencios de Emily Blunt llegan a cincelar una performance mayor, dentro de un contexto actoral, principalmente femenino muy valioso, - las historias de Anne, de Megan, y sus puntos de vista -.

Aunque el film en cierto sentido, no deja de ser la actuación redentora de la muchacha del tren.

P.M.

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FICHA TECNICA

“La chica del tren”, Estados Unidos, 2016. Título original: “The girl on the train”. Dirección: Tate Taylor. Guión: Erin Cressida Wilson, basado en la novela de Paula Hawkins Música: Danny Elfman. Fotografía: Charlotte Bruus Christensen. Elenco: Emily Blunt, Haley Bennett, Rebecca Ferguson, Justin Theroux, Luke Evans, Edgard Ramírez, Laura Prepon, Allison Janney, Lisa Kudrow.

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